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Urs Aeschbach – Werküberblick 2003-2018. Aeschbach, Urs. Beitr.: Friedli, Lena; Gampp, Axel; Lunn, Felicity; Zürcher, Isabel; Zwez, Annelise. 2018. 96 S. Abb. 32 x 24 cm. EUR 32,00. CHF 38,00 ISBN: 978-3-86833-255-1 modo
Viel und wenig. Üppig überladen, wuchernd – und dann: Fokus auf den einen Baumstamm, seine eine Bruchstelle mit ihren speziellen Splitterungen des Holzes. Urs Aeschbach spielt mit Perspektiven, der Illusion von Bild und Raumkonstruktion. Thema immer wieder: die Natur. Protagonisten sind Pilze, Hölzer, Quallen in üppiger Unterwasserlandschaft, ein Baumstamm, das Pferd. Vor seiner Malerei wird unser Bildgedächtnis wach und die Malereigeschichte läuft vor unserem inneren Auge ab. Seine Arbeiten haben altmeisterliches, impressionistischen oder pointilistischen Duktus. Zunehmend ist es der Surrealismus, der Einzug darin gehalten hat. Der Werküberblick der letzten 15 Jahre zeigt neben dem malerischen Werk Urs Aeschbachs auch Collagen, Fotografien, Kunst-und-Bau-Projekte und Installationen, die spektakulär und partikular wie ein Set für einen Stop-Motion-Film aufgebaut, weit in den Raum greifen. Viel Lärm um nichts, um nur ein Bild in einem kreisrunden Ausschnitt zu liefern, durch den man auf das Geschehen blickt. Doch zeigen diese Arbeiten eindrücklich, dass zwischen zwei Dimensionen und drei Dimensionen – Bild und räumlicher Realität – Ebenen liegen, die die Wahrnehmung niemals mitdenken kann.
Andriu Deplazes – Körper.Blume.Wasser.Gras. Deplazes, Andriu. Hrsg.: Kunstverein Friedrichshafen; Beitr.: Bühler, Kathleen; Denzler, Julian. Dtsch.; Engl. 2018. 72 S. Abb. 24 x 27 cm. EUR 22,00. CHF 27,00 ISBN: 978-3-86833-258-2 modo
Andriu Deplazes (*1993), der an der Zürcher Hochschule der Künste und an der LUCA School of Arts Brüssel studierte, erhielt 2017 den Helvetia Kunstpreis und war im gleichen Jahr eine der Entdeckungen unter den jungen Schweizer Künstlern auf der Liste Basel. Die erste umfassende Publikation, anlässlich seiner Einzelausstellung Körper Blume Wasser Gras im Kunstverein Friedrichshafen, zeigt seine farbenkräftige, expressive Malerei und fokussiert – mit Texten von Kathleen Bühler (Kunstmuseum Bern) und Kurator Julian Denzler (Kunstverein Friedrichshafen) – das Thema menschlichen Seins mit der Natur in seinen Arbeiten. Deplazes zeigt diese Beziehung endfremdet und befremdlich, so wie den Menschen selbst. Seine Figuren sind nackte, immer wieder amorphe, kahle, Fleisch-Gestalten, die sich im weiten Raum üppiger Fauna oder trostloser Wüsten-Landschaft winden. Im Versuch etwas mit ihrem Körper auszurichten, lediglich anwesend zu sein, sich anzupassen oder zu verbiegen – und sei es nur für eine Yogaübung – erscheinen sie im Bildraum labil bis verloren. Der Blick wird gebannt von dieser Schau der in Farben leuchtenden Unbeholfenheit körperlichen Daseins. Vom Landschaftspanorama fast verdrängt und deplatziert, sind die Körper außerstande so recht in ihrer Umgebung existieren zu können und halten sich gern an Zweig oder Blumenstil fest – vielleicht liegt aber gerade in dieser zaghaften Geste ihre erste echte Kontaktaufnahme mit der Natur?
"Ralph Fleck: Malerei – Painting – Pintura. Fleck, Ralph. Beitr.: Baumann, Günter; Beitr.: Allert, Tilman; Müller, Hans-Joachim. Engl.; Dtsch.; Spanisch. 2018. 480 S. Abb. 32 x 24 cm. EUR 48,00. " ISBN: 978-3-86833-253-7 modo
WAS IST WAHR – Kunstpreis der Erzdiözese Freiburg 2019. Hrsg.: von Marschall, Isabelle; Kunstkommission der Erzdiözese Freiburg. 2018. 112 S. 60 Abb. 29 x 22 cm. EUR 24,00. ISBN: 978-3-86833-238-4 modo
Seit 2008, nun zum vierten Mal, wird der Kunstpreis der Erzdiözese Freiburg für Bildende Kunst vergeben, der sich für einen Austausch zwischen Kirche und Kunst engagiert. Mit dem Ausschreibungsthema WAS IST WAHR, ohne das Fragezeichen formuliert, öffnet der Kunstpreis 2019 den Dialog für Positionen, die am Reibungspotential zwischen Glaube und Empirie ansetzen. Die Publikation WAS IST WAHR präsentiert die 19 nominierten zeitgenössischen Positionen, die aus über 900 Bewerbungen ausgewählt wurden und vor der Preisvergabe in einer Wanderausstellung im Morat-Institut Freiburg, im Kunstmuseum Singen und im Stift Neuburg, Heidelberg zu sehen sind.
Eine Besonderheit der Publikation dieses Jahr: WAS IST WAHR setzt den interdisziplinären Austauschgedanken direkt um, indem neben Fachtexten die begleitenden Textbeiträge zu den 19 nominierten künstlerischen Arbeiten im dialogischen Kommentar zwischen Theologie und Kunstwissenschaft verhandelt werden. Ganz unmittelbar wird die Wahrnehmung von Kunst und Wahrheit aus unterschiedlicher Perspektive deutlich.
Nina Rike Springer I believe I can fl y Hrsg. Matthias Lenz, Regina Michel, ZF Kunststiftung. Text: Ralf Christofori. 2018. 48 S., 83 fb. Abb. 23 x 28 cm, Gb. Dtsch; Engl. EUR 20,00 ISBN: 978-3-86833-256-8 modo
Nina Rike Springer ist meist selbst Protagonistin in ihren eigenen Arbeiten. Die Künstlerin und Stipendiatin der ZF Kunststiftung Friedrichshafen 2018, die an der Universität für angewandte Kunst Wien und an der Bauhaus-Universität Weimar studierte, setzt in ihren Videoarbeiten und Fotografi en Körper und Handlung in Bezug zu ihrer Bildwelt. Als mit Badekappe neutralisiertes Wesen begibt sie sich in Konfrontation mit abstrakten Gegebenheiten geometrischer Formenlandschaften, die an die Ästhetik von Bauhaus oder Futurismus denken lassen – eine Welt in poppiger Farbigkeit. Der Humor dieser Begegnungen liegt in ihrer Absurdität: in logisch sinnfreien Handlungen voll überzeugter Notwendigkeit, die zwischen Anpassung an die Gegebenheiten und dem Ausdehnen ihres möglichen Handlungsspielraums agieren. Dazu gehören u.a. Flugversuche auf einem Quader. Die Publikation I believe I can fl y, die die gleichnamige Ausstellung der ZF Kunststiftung im Zeppelin Museum Friedrichshafen begleitet, zeigt neueste fotografi sche Arbeiten sowie Videostills aus Springers Stop- Motion-Animationen in Daumenkino-artigen Bildsequenzen. Konsequenterweise löst sich die Künstlerin als Protagonistin aus den Bildrahmungen des eigenen Kataloges und wandert, verdoppelt und verdreifacht, bis in die Ausstellungsansichten hinein – gleich einer Videospiel-Figur, die mit jeder Seite von Level zu Level springt. Bei Nina Rike Springer liegt das Potential, die Situation und ihre Möglichkeiten zu erweitern, im Spielerischen.
Gabriela Stellino – Bildgeschehen. Stellino, Gabriela. Hrsg.: Morat-Institut für Kunst und Kunstwissenschaft; Beitr.: Morat, Franz Armin; Düwell, Ulrike. 2018. 112 S. Abb. EUR 28,00. ISBN: 978-3-86833-250-6 modo
Die Faszination für das landschaftliche Panorama ist in Gabriela Stellinos künstlerischer Arbeit allgegenwärtig. Mit „Bildgeschehen“ liegt nun eine Werkübersicht in Kapiteln zu Monotypien, Zeichnungen, Ölmalerei und Aquarellen der Künstlerin aus den letzten zehn Jahren vor, die dies offenkundig werden lässt. Nach ihrem Studium an der staatlichen Hochschule für Bildende Kunst Pridilliano Pueyrredon, Buenos Aires u.a. bei Pippo Ferrari und Roberto Paez, zog die Argentinierin mit italienischen Wurzeln 1997 in den Südwesten Deutschlands. Fast glaubt man nun aus Stellinos reduzierter Farbpalette ihre jetzige Heimat herauslesen zu können – sanftes Ocker und satte Grüntöne.
Inspiriert durch lange Beobachtungsprozesse eines landschaftlichen Ausschnitts findet Bewegung der Landschaft bei Stellino ihr Äquivalent in der Bewegung von Farbe und ihren Eigenschaften auf dem Malgrund. In Stellinos Aquarellen und lavierten Zeichnungen, meist in kleinem Panoramaformat, scheint ihr Fließen sich wie ein Schleier auf etwas zu legen, der in den Ölmalereien pastös den eigentlichen Gegenstand der Betrachtung verdeckt und die Farbe in den Monotypien nur partiell eine Form definieren zu wollen. Betont flächig bleiben Stellinos „Farblandschaften“, ganz wie eine Nebelfront, die durch Verdecken und Freistellen Bilder generiert und räumliche Tiefe erahnen lässt – Prozesse, die Stellino auch im Bewegtbild mit ihren „Secuencias“, Videosequenzen aus den eigenen Zeichnungen und Aquarellen, sichtbar macht: Suggestion von Landschaft die sich auflöst, herausbildet, versteckt bleibt. Nie ist klar, welche Ebene in Bewegung ist – Bild oder Farbe?
Jürgen Brodwolf Stiftung – Sammlung Erika und Jürgen Brodwolf. Beitr.: Heidenreich, Wolfgang; Hrsg.: Brodwolf, Jürgen; Beitr.: Wessel, Thomas; Beitr.: Henze Triebold, Alexandra; Beitr.: van der Grinten, Franz Joseph. 2018. 96 S. Abb. 29 x 24 cm. EUR 28,00. ISBN: 978-3-86833-248-3 modo
Die Publikation „Jürgen Brodwolf Stiftung Kandern. Sammlung Erika und Jürgen Brodwolf“ gibt Einblick in eine Welt, in der alles mit allem verwoben ist. Da ist das alte Krankenhaus des Städtchens Kandern mit seinen 23 Zimmern, das vor mehr als zwanzig Jahren Wohnort und ab 2005 Sitz der Jürgen Brodwolf Stiftung wurde. Der sensible Blick des Fotografen Bernhard Strauss führt mitten ins Herz dieses „Figurenhauses“, in dem Wohnbereich, Werkstatt, Atelier, Archiv und Ausstellungsräume nahtlos ineinander übergehen. Der Aufbau seines Erinnerungsspeichers, der auch die Entwicklung seiner Figurentypologie beherbergt, zeigt Jürgen Brodwolf als methodisch und konsequent arbeitenden Künstler. Darüber hinaus ist er ein akribischer Kunstsammler, dessen Fokus auf Arbeiten von der Klassischen Moderne bis zur zeitgenössischen Kunst liegt. Mit zahlreichen Abbildungen sowie einführenden Texten über den Künstler, seine Stiftung und Sammlung öffnet die Neuerscheinung die Tür zu einer faszinierenden Lebens- und Arbeitsstätte.
Alfred Haller. Haller, Alfred. Hrsg.: Museum im Burghof Lörrach; Markgräfler Museum Müllheim; Beitr.: Gallwitz, Klaus. 2018. 80 S. Abb. 27 x 21 cm. EUR 14,80 ISBN: 978-3-86833-252-0 modo
Alfred Haller (1921 – 1957) und seine Frau Gerta (1919 – 2003) zählten in der Nachkriegsmoderne zu den bekanntesten Künstlern und Gebrauchsgrafikern im Dreiländereck (D / CH / F). In Anschluss an eine diesjährige Retrospektive, die dem künstlerischen Schaffen des Paares in drei Institutionen in Müllheim und Lörrach gewidmet ist, liefert die Publikation die längst fällige erste umfassende Übersicht über das Gesamtwerk von Alfred Haller. Bis zu seinem frühen Unfalltod blieb Haller, einst Student an der Gewerbeschule Basel (heute: Schule für Gestaltung, Basel), in seiner Malerei, den Tuschen, Aquarellen und Monotypien dem Gegenstand verpflichtet. Landschaften, Stillleben, Figuren und Köpfe waren seine bevorzugten Sujets. So unauffällig diese Motive zu sein scheinen, nach den erschütternden Kriegserlebnissen bedeuteten sie für Alfred Haller die Entdeckung der Schönheit dieser Welt. Er entwickelte einen eigenständigen, lyrischen Stil, der das Erbe der klassischen Moderne mit zeitgenössischen Tendenzen verband. Ein dynamisches Werk, das jetzt umfangreich neu entdeckt werden kann.
Dieter Mammel – TIEFER SCHLAF. Mammel, Dieter; Hrsg.: Kunstmuseum Spendhaus Reutlingen; Beitr.: Eichhorn, Herbert; Clemens Ottnad, Corona Unger. 2018. 96 S.,80 Abb. 17 x 24 cm. Gb. EUR 20,00 ISBN: 978-3-86833-254-4 modo
Immer wieder ist es der Mensch, der in Dieter Mammels Arbeiten inszeniert und isoliert im Mittelpunkt der Leere steht. Ob im undefinierten monochromen Raum, vor endlosem Horizont oder in nicht endenden Wasseroberflächen und -tiefen. Die zum Teil merkwürdig verzerrten Perspektiven und Ausschnitte in denen die Porträtierten gezeigt werden, haben den Charakter eines fotografischen Schnappschusses, der hier malerisch umgesetzt, gezielt Momente der Verlangsamung eingefroren hat. Entführend in traumartige Zwischen- und Schwebezuständen, die verwischen und verschwimmen wie die Nass-in-Nass mit Tusche und Acryl gearbeiteten Figuren auf dem Malgrund, (oder der Versuch sich an Geträumtes zu erinnern,) ist die Beobachtungsperspektive nah an den teils melancholisch in sich versunkenen Protagonisten. Manchmal so nah, wie nur eine Kamera mit ausgestrecktem Arm an ein Gesicht herankommen und scharfstellen kann. So nah, dass auch die Grenze verschwimmt zwischen: träumt man oder betrachtet man sich gar selbst von außen? Tiefer Schlaf oder ein naher Verwandter?
Sebastian Speckmann – Some things can be left unsaid. Speckmann, Sebastian. Hrsg.: Wesle, Anna; Museum Franz Gertsch; Beitr.: Wesle, Anna. Engl.; Dtsch. 2018. 56 S. Abb. 26 x 18 cm. EUR 25,00. CHF 28,00 ISBN: 978-3-86833-246-9 modo
Some things can be left unsaid – der Titel der Publikation sowie der ersten Ausstellung des Leipziger Künstlers Sebastian Speckmann in der Schweiz (Museum Franz Gertsch) setzt bereits auf subtile Irritation durch feine Wortverschiebung: Manche Dinge sollte man nicht aussprechen; und manche Dinge können unausgesprochen bleiben á la „Reden ist Silber, Schweigen ist Gold“. Versteckt oder überlagert durch den archaischen Schwarz-Weiß-Kontrast, schleicht auch etwas Irritierendes in den Linolschnitten, Holzschnitten und Collagen des ehemaligen Studenten von Neo Rauch und Heribert C. Ottersbach. Zivilisatorische Überreste, Landschaft, Architektur, Naturszenarien, vereinzelte Menschen, die merkwürdige, nichts sagende Handlungen vollführen – immer scheint man etwas wiederzuerkennen, immer mit dem mulmigen Gefühl, dass es nicht stimmt. Some things can be left unsaid zeigt Speckmanns teils neu für die Ausstellung produzierten Linolschnitte, die in aufwendiger Schnitttechnik und Kreuzschraffur gearbeitet, in Welten entführen, in denen Vertrautes in die Nähe des Unwirklichen rückt und eklektizistisch zum fiktionalen Szenario vermischt wird. Deutsche Industriebauten der 1930er Jahre treffen so schon mal auf einen italienischen Geschlechterturm aus San Gimignano, um ein Bild vorstädtischer Landschaft zwischen Industrie und Dorf-Idyll zu suggerieren. Sebastian Speckmanns Arbeiten, die im Ausstellungskontext oft großformatig oder installativ den ganzen Raum bespielen, scheinen Dystopie und Utopie in einer eigenen Welt abzubilden, die – aus der Zeit gefallen wie alte Science-Fiction Filme – von gestern sowie ganz von morgen sein könnte. Eine Spannung, in der vielleicht nur Bilder sprechen können.
Martin Kasper: IM WASSERSCHLOSS GLATT – VERTIGO. Kasper, Martin Hrsg.: Landratsamt Rottweil; Rüth, Bernhard. Beitr.: Müller, Hans-Joachim. 2018. 68 S., 27 Abb. 21 x 21 cm. Gb. EUR 18,00 ISBN: 978-3-86833-251-3 modo
Vertigo ist der Fachbegriff für ein Dreh- oder Schwankgefühl und natürlich denkt man bei diesem Begriff sofort an den Filmklassiker von Alfred Hitchcock, dessen Protagonist an einer extremen Form von Höhenangst leidet. Vertigo so lautet auch der Titel der Publikation des Freiburger Malers Martin Kasper, die seine neusten Arbeiten aus der Werkschau im Wasserschloss Glatt abbildet. Seit mehr als zwei Jahrzehnten beschäftigt sich Kasper in seiner Werkgruppe „Raumbilder“ mit Architektur- und Innenraumdarstellungen. Mitunter geht es in dieser Malerei, die sich zwischen dem Abstrakten und Gegenständlichen bewegt, alles andere als statisch zu. In seinen neuen, für die Ausstellung im historischen Wasserschloss entstandenen Arbeiten, werden Innenräume in einen schwindelerregenden Wirbel versetzt. Kasper sprengt mit dieser dynamischen Malerei den Raum und konfrontiert den Betrachter mit einer spannungsvoll aufgeladenen, irritierenden Art von Wirklichkeit.
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Keummi Paik-Bauermeister – Neue Arbeiten. Paik-Bauermeister, Keummi. Beitr.: Egel, Antonia; Figal, Günter; Ludwig, Jochen; Bauermeister, Volker. 2018. 64 S. Abb. 26 x 21 cm. EUR 22,00. ISBN: 978-3-86833-245-2 modo
Die Arbeiten von Keummi Paik-Bauermeister sind in ihrer Einfachheit unerschöpflich. Über eine Grundfarbe zieht die Künstlerin freihändig dünne, parallele Linien in geringem Abstand vom oberen zum unteren Bildrand. Sie füllen ihre kleinen Formate von links nach rechts vollständig aus. Die für diese Kompositionen eingesetzten beiden Farbtöne variieren, immer gleich ist die langsam ausgeführte Geste, die stille, selbstvergessene Handlung am Bild. Mit Nähe zur Konstruktiven Kunst zeigen Paik-Bauermeisters Arbeiten in ihrer konzeptueller Manier nichts Benennbares, vermitteln keine Botschaft, sind einfach Bilder, welche die Ruhe des Schöpfungsaktes wie einen Kern umschließen. In der Publikation, mit dem nüchternen Titel Neue Arbeiten, zeigt Keummi Paik Bauermeister, die bei Peter Dreher und Rolf-Gunter Dienst studierte, sehr eindrücklich, wie sich mit einem Minimum an Gestalt ein Maximum an Wahrnehmungsmöglichkeiten ergeben kann. In der Betrachtung wird gegenwärtig, wie das Auge nicht mehr zwischen Farbgrund und Linie trennt und was als Gitter angelegt ist, als sanft vibrierenden, farbigen Schleier wahrnimmt. Der Vorgang des Sehens selbst wird nachvollziehbar.
Siegfried Kreitner. Begleitbuch zur Arbeit 1996 – 2018. Text: Peter Lodermeyer, Nikolai Vogel. 2018. 96 S., 220 Abb., 17 x 24 cm, EUR 24,00 ISBN: 978-3-86833-240-7 modo
Siegfried Kreitner sieht sich selbst als klassischen Bildhauer und er beschreibt sich als „eher technikfeindlich“. Doch seine Skulpturen sind alles andere als statisch und wie das vorliegende Werkverzeichnis offenbart, hat er in den vergangenen zwei Jahrzehnten ein beeindruckendes, kinetisches Œuvre geschaffen. Mit den zwischen 1996 und 2018 entstandenen Arbeiten dokumentiert das Verzeichnis eine künstlerische Entwicklung, in der die Bewegung seiner Lichtsäulen, Kuben, Quader und Stelen durch einen analogen, rein mechanischen Antrieb, seit 1998 mit dem Einsatz von Licht und ab 2004 zusätzlich mit Farbe gekoppelt wird. Kreitners „Kinetische Farbmalerei“ verlangt nach einem entschleunigten Betrachter, der vor den Werken verweilt und Ruhe findet.
Payer Gabriel: Cosmic Imperative. Payer, Micha; Gabriel, Martin; Payer Gabriel. Hrsg.: Lenz, Matthias; Michel, Regina; ZF Kunststiftung; Beitr.: Höller, Silvia. Dtsch.; Engl. 2018. 48 S. fb. Abb. 28 x 23 cm. EUR 20,00. ISBN: 978-3-86833-231-5 modo
Was ist das große Ganze und wie funktioniert es? Was unterscheidet eine Ordnung, die man nicht mehr überblickt, vom Chaos? Micha Payer und Martin Gabriel, die seit 17 Jahren als Künstlerkollektiv tätig sind, beschäftigen sich mit der Komplexität des Daseins. „Die kosmische Zwangsläufigkeit des Lebens“ lautete der Titel der Ausstellung, mit der die Stipendiaten der ZF Kunststiftung 2017 im Zeppelin Museum in Friedrichshafen zu Gast waren. Bei der Formfindung spielen Wiederholung und Variation eine zentrale Rolle. Detailgetreu auf 100 DIN-A4-Blätter haben Payer und Gabriel den Eisenmeteorit gezeichnet, der am 26. Mai 1751 nahe Zagreb auf die Erde stürzte. „Apologie des Zufälligen“ lautet der Titel ihrer Zeichnungen, und mit einer geradezu wissenschaftlichen Akribie vertiefen sich Payer und Gabriel in die Ordnungsprinzipien und Gesetzmäßigkeiten einer Welt, die zunehmend komplizierter wird.
Markus Daum – HALB INNER HALB AUSSER HALB. Die Publikation erscheint auch in einer Auflage von 15 Ex. als Vorzugsausgabe mit einem Original. Daum, Markus. Beitr.: Baltzer, Burkhard; Clement, Hans-Jörg; Köhler, Herbert; Roes, Michael. 2018. 204 S. 100 Abb. 25 x 20 cm. EUR 56,00. ISBN: 978-3-86833-235-3 modo
In der Trilogie stellt sich der Bildhauer Markus Daum gesellschaftspolitischen Fragestellungen ohne seine Maxime zu verlassen: Für ihn muss Kunst mit etwas für den Menschen Existentiellem zu tun haben. Ein Werk kann dann politisch werden, wenn es sich mit Menschen-Geschichten verbindet, die ihn berühren. Die vermeintlich eurozentrische Sicht auf die Welt ist in den letzten Jahren einem grundlegenden Wandel unterworfen. Kriege am Rande Europas, Terrorismus in politischem und religiösem Kontext, die Folgen eines weltumspannenden Kapitalismus, klimatische und soziale Umwälzungen mit den Auswirkungen der Flüchtlingsbewegungen werden heute nicht mehr aus einem „sicheren“ Zentrum als weit entfernte Ereignisse wahrgenommen, sondern dringen real in die Mitte Europas ein. Die Definition der Grenze zwischen „Peripherie“ und „Zentrum“, zwischen „Wir“ und „Ihr“ erhält neue Relevanz nach einer längeren Zeit der Vision einer grenzenlosen Globalisierung. Was also spielt sich um uns herum ab, und wie berührt und betrifft uns dies? Der Titel HALB INNER HALB AUSSER HALB dient als philosophische Klammer der Publikation (Drei Bände im Schuber), in der die plastischen, grafischen, installativen und fotografischen Arbeiten von Markus Daum zu diesem Thema sowie eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Michael Roes zusammengeführt werden.
Band 1: „Peripherie“ zeigt Beispiele des Werkes von Markus Daum zu diesem Themenkreis (Skulpturen, Zeichnungen, Druckgrafik, Installationen) ab dem Jahr 2010. Die Quellen dieser Bilder stammen z. B. aus Nordafrika und dem Nahen Osten, dem „Peripheriegürtel“ Europas. Mit Texten von Herbert Köhler und Burkhard Baltzer.
Band 2: „Der Körper des Fremden“ ist eine Zusammenarbeit mit dem Schriftsteller Michael Roes. Sein mit gleichem Titel bisher unveröffentlichter Text ist die Grundlage für die künstlerische Auseinandersetzung mit diesem Thema.
Band 3: „Schattenfelder“ umkreist fotografisch das Thema des Schattens. Ein Gespräch von Hans-Jörg Clement mit Markus Daum ergänzt diesen Band.
Angeli Janhsen – Was tun? Künstler machen Vorschläge. Janhsen, Angeli. 2018. 272 S. Abb. 17 x 22 cm. EUR 34,00. ISBN: 978-3-86833-233-9 modo
Die künstlerischen Arbeiten, um die es hier geht, sind nicht materialisierte Werke, wie sie in der traditionellen Bildenden Kunst üblich waren. Sie rechnen nicht mit passiven Betrachtern, sondern schlagen Betrachtern Handlungen vor.
Die hier im ersten Teil vorgestellten knapp 50 Handlungsanweisungen sind verschiedenartig. Yoko Ono schlägt Meditatives vor: „Light a match and watch till it goes out“ (1955). Alison Knowles ist konstruktiv: „Make a salad“ (1962). Barnett Newman zeigt ein Bild mit dem Titel „Be!“ (1949). Immer bleibt dem Rezipienten die Wahl, ob er dem Appell folgt oder nicht. Anders als bei traditioneller Kunst entscheidet er ausdrücklich, ob er etwas tut und was. Eine große Gruppe verschiedener Handlungsanweisungen schlägt Nichtstun vor. Der zweite Teil zeigt zuerst den großen Kontext von Handlungsanweisungen (von den Zehn Geboten bis zum Do it yourself) und fragt in seinem zweiten Abschnitt nach einem angemessenen Umgang mit dieser neuen Kunstform.
Im dritten Teil geht es um die Verschiedenartigkeit der beim Handeln deutlichen Zeitkonzepte. Immer hat Handeln mit Zeit zu tun: Was sind die Voraussetzungen für eine Handlung, was ist jetzt möglich, was folgt? Zeit wird beim Handeln neu deutlich, sie ist nicht bloß linear oder folgerichtig. Aber welche Zeit wird beim Handeln deutlich? Alle Handlungsanweisungen beantworten, jeweils anders, große Fragen: Wie geht es weiter? Was soll ich tun? Letztlich sind das die Fragen nach dem richtigen Leben.
Kunstsache. Künstlergespräche. Eine Gesprächsreihe mit Künstlerinnen und Künstlern der Sammlung Klein anlässlich der Ausstellung „Über den Umgang mit Menschen, wenn Zuneigung im Spiel ist“. Dokumentation der Künstlergespräche. Hrsg.: Groos, Ulrike; Wurzbacher, Carolin; Kunstmuseum Stuttgart. 2018. 84 S. 20 Abb. 22 x 17 cm. EUR 19,00. ISBN: 978-3-86833-241-4 modo
Das Ehepaar Alison und Peter W. Klein sammelt seit fast 30 Jahren Kunst. In ihrer Vielfalt ist die seit Ende der 1980er-Jahre sukzessive gewachsene Sammlung ein beeindruckendes Zeugnis einer emotionalen Lust am Schauen und Erleben von Kunst. In ihrem Heimatort Nussdorf eröffneten die Kleins 2007 das Museum KUNSTWERK, das seitdem wechselnde Ausstellungen mit Werken der Sammlung Klein präsentiert. Das Kunstmuseum Stuttgart zeigte 2017 in einer großen Sonderausstellung Ausschnitte aus der umfangreichen Sammlung Klein. Dafür wurden Werke von 27 Künstlern ausgewählt, die symptomatisch für die sammlerischen Interessen des Ehepaars Klein stehen. Denn neben bekannten, international renommierten Künstlern gilt die stete Aufmerksamkeit des Ehepaars auch weniger etablierten sowie jungen Positionen. Anlässlich der Ausstellung hat das Kunstmuseum Stuttgart zu fünf Künstlergesprächen eingeladen. Im Dialog mit Museumsdirektoren, Kuratoren und Journalisten gab die Veranstaltungsreihe die besondere Gelegenheit, Peter W. Klein sowie einige der in seiner Sammlung vertretene Künstlerinnen und Künstler kennenzulernen. Die vorliegende Publikation dokumentiert in Schriftform, mit einem Vorwort von Ulrike Groos und Carolin Wurzbacher versehen, die fünf Gesprächsrunden.
1) Architektur der Farben: Sean Scully und Peter W. Klein im Gespräch mit Florian Steininger
2) …Wenn Zuneigung im Spiel ist: Peter W. Klein im Gespräch mit Dr. Ulrike Groos und Klaus Gerrit Friese
3) Gläserne Optik: Prof. Karin Kneffel im Gespräch mit Dr. Christiane Hoffmans
4) Linienbekenntnisse: Prof. Katharina Hinsberg und Thomas Müller im Gespräch mit Dr. Andreas Schalhorn 5) Fotografierte Realitäten: Annette Kelm und Ann-Kathrin Müller im Gespräch mit Dr. Stefan Gronert.
Stephan Melzl. Flugschau. Hrsg. Anna Wesle, Museum Franz Gertsch. Mit einem Text von Anna Wesle. 2018. 64 S., 28 Abb. Dtsch, Engl. 18 x 26 cm. Br. EUR 25,00 CHF 28,00 ISBN: 978-3-86833-237-7 modo
Die Publikation über den Schweizer Künstler Stephan Melzl zeigt aktuelle, sowie Arbeiten der letzten Jahre. Als Kabinett Edition Nr. 8 des Museums Franz Gertsch in Burgdorf dokumentiert sie auch die erste museale Einzelausstellung in seinem Heimatland. Die eher kleinformatigen, feinen Ölgemälde Stephan Melzls faszinieren bereits aus der Entfernung und ziehen den Betrachter nahe zu sich heran. Auf Holz entfaltet sich die gegenständliche Darstellung einer ganz eigenen Welt im Sog eines betörenden Farbauftrags. Figuren allein oder zu mehreren, Gegenstände, in Landschaften oder diversen Räumen, erscheinen uns vertraut und doch fremd. Malerisch, kompositorisch und inhaltlich verdichtet, schafft Melzl irritierende, illusionäre Bilder, die sich aus dem Schatz der Kunstgeschichte, der Popkultur und des modernen Alltags speisen und oftmals Bild-im-Bild-Effekte aufweisen.
Hans Rath – Zeichnungen. Rath, Hans; Roeschmann, Dietrich; Stadler, Arnold. 2018. 72 S., 48 fb. Abb. 25 x 23 cm. Gb. EUR 25,00 ISBN: 978-3-86833-234-6 modo
Der Maler und Zeichner Hans Rath veröffentlicht in dieser Publikation, in 48 Zeichnungen künstlerisch festgehalten, was es bedeutet, einen geliebten Menschen beim Sterben zu begleiten. Die von Dietrich Roeschmann und Arnold Stadler (MICH SCHMERZT DEIN SCHMERZ. Zu einer Bilderfolge von Hans Rath) verfassten Texte geben der Zeichenfolge die Sprache, die Raths Betroffenheit in eine Direktheit und Offenheit zum Leben führt. „Porträts in ihrem stillen Ringen um Form und Detailtreue zwischen Nähe und Distanz. Im zärtlichen Griff nach der Hand des Sterbenden, die Rath oft hielt, während er ihn zeichnete, ist Fürsorglichkeit ebenso präsent wie der Wunsch, diese für immer festzuhalten und die Fassungslosigkeit darüber, dass sie sich trotzdem mehr und mehr entzieht. Porträts zu malen, sagte Rath einmal, sei für ihn immer ein Akt völliger Verausgabung: ,Spontanität, Meditation, Kommunikation, die absolute Hingabe an den Moment – im Porträt kommt alles zusammen‘”. (Auszug aus dem Text von Dietrich Roeschmann)
Gela Samsonidse – Face to Face. Samsonidse, Gela; Bauermeister, Volker. Dtsch., Engl. 2018. 32 S., 12 Abb., 28 x 24 cm. Pb. EUR 15,00 ISBN: 978-3-86833-244-5 modo
...Die Malerei des aus Georgien stammenden Künstlers Gela Samsonidse (*1965) verhandelt zwischen Gegenständlichem und Abstraktem. Nicht selten trifft sich beides gleichzeitig auf seiner Leinwand wieder, wie der kurze Band Face to Face zeigt. Mit Arbeiten aus der gleichnamigen, 2011 begonnenen Porträt-Serie stellt Samsonidse dem Betrachter wiederholt zwei sich von Angesicht zu Angesicht Gegenübersitzende vor; unterschiedlichste Konfrontationssituationen von Personen, die oberflächliche oder persönliche Beziehungen zueinander hegen mögen – potenzielle Spannung und Harmonie inbegriffen. Ein Punk trifft auf eine in Burka gehüllte Frau, Künstlerkollegen oder -konkurrenten begegnen sich, Familienmitglieder treffen aufeinander oder der Künstler sitzt plötzlich seinem gedoppelten Selbst gegenüber. Begegnungen, eingebettet in Ornamentik und Muster, abstrakte Formen im Raum der bühnenartigen Situationen, auf denen sie inszeniert sind. In der Dreieckskonstellation reflektierter Blicke zwischen den zwei Face to Face Porträtierten und ihrem Beobachter werden dabei Betrachtungsfragen nach Standpunkt und eigener Wahrnehmung implizit. Braucht es ein Gegenüber, um sich zu erkennen? Face to Face berührt, neben Fragen der menschlichen Selbsterkenntnis, solche nach der repräsentativen Darstellungsform des Porträts, der Konstruktion von Raum, Figuration und Abstraktion – die tief in der Malereigeschichte verwurzelt sind.
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